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The Fates of Man: Soul in Heaven
The Fates of Man: Soul in Heaven
Artist: Manuel Chili, known as Caspicara (attributed) (1723-1796)
Date: ca. 1775
Dimensions:
H 17.6 x W 11 x D 12.3 (H 6 15/16 x W 4 5/16 x D 4 13/16 in.)
With base: H 23.6 x W 30.5 x D 29.3 cm (With base: H 9 1/4 x W 12 x D 11 8/16 in.)
Medium: Polychrome wood, glass, and metal
Credit Line: Museum Department Purchase, 2016.
Place Made:Ecuador
Period: Modern
Culture: Latin American (Ecuador)
Not on View
DescriptionAttributed to Manuel Chili, called Caspicara (Ecuador, ca. 1723–Quito, 1796)
The Four Fates of Man: Soul in Heaven, ca. 1775
Polychromed wood, glass, and metal, 17.6 × 11 × 12.3 cm
New York, The Hispanic Society of America, LD2414
PROVENANCE: Coll & Cortés, Madrid, 2016; acquired by The Hispanic Society of America, 2016
These remarkable polychrome sculptures from 18th-century Quito strikingly present Catholic teaching on eschatology (the fate of man after death) (See also LD2413, LD2415, and LD2416). As understood at the time, death marked the separation of body and soul. In the first figure, a skeleton reveals the decomposition of the body as worms crawl up and over the various bones. The artist has rendered the details of each with great skill while also painting delicate lines of the sutures in the skull. At death, particular judgment was passed on the soul: if it had died in mortal sin, it would suffer the pains of hell; if it had died in grace but not free from fault, it was assigned to Purgatory, a place of suffering where the soul would be purified to become worthy of heaven; if it had died free from sin, it would enjoy the bliss of heaven. The three figures thus display the possible outcomes for the soul. The flames of hell surround the damned figure who frantically claws at his chest, ripping his flesh out, as he screams and stares up with wide-open red eyes. The sculptor underscores the horrors by including a toad climbing on one arm and a worm on the other. Flames also encircle the soul in Purgatory who wears a crown of thorns to indicate his suffering. But although he looks up with a pained expression, the sculptor also suggests the soul’s contrition and expectant hope for heaven. The glass tears which have been delicately added thus play an important role in evoking the soul’s repentance. Surrounded by clouds and wearing a rich robe, the figure in heaven depicts the serene joy of the blessed souls.
While the statues present their Christian meaning clearly, much else about them remains unclear, beginning with their authorship. The most plausible candidate is Manuel Chili called Caspicara, the leading sculptor in Quito at the end of the 18th century. While no direct comparisons to his work exist, the figures reveal an exquisite mastery consistent with his style. Not only does the artist display impressive skill and delicacy on a small scale, he also shows significant powers of invention. Although the subject appeared in 17th-century prints such as those by Alexander Mair (1559–ca. 1620) or Egbert van Panderen (ca. 1590–1637) and continued in later anonymous sets, the sculptor transformed these models completely when he carved halflength figures, not busts. He might also have turned to other sources like the wax figures produced in Naples and exported to Spain. In modifying these examples significantly, however, he reveals exceptional talent and originality. Moreover, no comparable set of four carved figures is known today either in viceregal Latin America or in Europe. Consequently, it becomes difficult to reconstruct the statues’ intended setting, but it seems most likely that they were carved for private devotion in a small altar. As such, they correspond to the preference in later Ecuadorian sculpture for small-scale works, here realized with consummate artistry. PL
Texto en Español:
Estas notables figurillas de Quito en el siglo XVIII presentan de forma muy llamativa la enseñanza católica sobre la escatología o el destino del hombre después de la muerte (véanse también LD2413, LD2415, y LD2416). Se entendía entonces que la muerte marcaba la separación del alma y el cuerpo. En la primera figura un esqueleto revela la descomposición del cuerpo, en medio de gusanos que se arrastran por encima de los huesos. El artista ha reproducido los detalles con gran pericia, pintando también las delicadas líneas de sutura del cráneo. Al morir, el alma pasaba por el juicio particular: si había muerto en pecado mortal, padecería las penas del infierno; si había muerto en estado de gracia pero no exenta de faltas, sería enviada al purgatorio, un lugar de sufrimiento donde se purificaría para ser digna del cielo; si había muerto limpia de pecado, gozaría de la felicidad del cielo. Las tres figuras representan, pues, los posibles resultados para el alma. Las llamas del infierno rodean al alma del condenado que frenéticamente se arranca la carne del pecho, aullando y alzando los ojos desorbitados y enrojecidos. El escultor subraya los horrores poniendo sobre su figura un sapo que le sube por un brazo y un gusano en el otro. Las llamas también rodean al alma en el purgatorio, coronada de espinas para indicar su sufrimiento. Pero, aunque alza los ojos con expresión de dolor, el escultor también sugiere su contrición y su esperanza de alcanzar el cielo. Las lágrimas de vidrio que delicadamente se le han añadido desempeñan así un papel importante para hacer visible su arrepentimiento. La figura del cielo, rodeada de nubes y vestida con una rica túnica, muestra la dicha serena que gozan las almas bienaventuradas.
Estas figuras presentan su mensaje cristiano con claridad, pero en muchos otros aspectos dan lugar a dudas, empezando por el de su autoría. El candidato más verosímil es Manuel Chili, llamado Caspicara, que era el principal escultor de Quito a finales del siglo XVIII. No hay obras suyas que permitan hacer comparaciones directas, pero estas piezas revelan una exquisita maestría compatible con su estilo. No solo da pruebas este artista de una extraordinaria pericia y delicadeza en pequeña escala, sino que también demuestra una potente inventiva. El asunto representado había aparecido ya en estampas del siglo XVII como las de Alexander Mair (1559-h. 1620) o Egbert van Panderen (h. 1590-1637) y se siguió haciendo después en conjuntos anónimos, pero este escultor ha transformado por completo aquellos modelos al tallar no bustos sino medias figuras. También habría podido consultar otras fuentes, como las figuras de cera hechas en Nápoles y exportadas a España. Sin embargo, al modificar sensiblemente esos ejemplos revela un talento y una originalidad excepcionales. Por otra parte, hoy no se conoce ningún conjunto comparable de cuatro figuras de talla, ni en la América colonial ni en Europa. En consecuencia, se hace difícil reconstruir su posible destino, pero parece lo más probable que fueran hechas para la devoción privada en un altar doméstico. En ese sentido concuerdan con la preferencia de la escultura ecuatoriana posterior por las obras de pequeño formato, en este caso realizadas con un arte consumado. PL
BIBLIOGRAPHY:
BURKE 2016 Marcus B. Burke, “The Hispanic Society of America, Nueva York,” in Mark A. Roglán (ed.), Arte español en los Estados Unidos de América. Madrid: El Viso, 2016, p. 134
CODDING ( ED. ) 2017 Mitchell A. Codding (ed.), Tesoros de la Hispanic Society: Visiones del mundo hispánico. Madrid, New York: Museo Nacional del Prado, The Hispanic Society of America, 2017, pp. 290-91, nos. 161-64
CODDING ( ED. ) 2018a [Spanish edition] Mitchell A. Codding (ed.), Tesoros de la Hispanic Society of America. Mexico City, New York: Museo del Palacio de Bellas Artes, The Hispanic Society of America, 2018, pp. 308-9, nos. 151-54
CODDING (ED.) 2018b [English edition] Mitchell A. Codding (ed.), Visions of the Hispanic World: Treasures from The Hispanic Society Museum & Library. New York: The Hispanic Society of America, 2018, nos. 151-54
The Four Fates of Man: Soul in Heaven, ca. 1775
Polychromed wood, glass, and metal, 17.6 × 11 × 12.3 cm
New York, The Hispanic Society of America, LD2414
PROVENANCE: Coll & Cortés, Madrid, 2016; acquired by The Hispanic Society of America, 2016
These remarkable polychrome sculptures from 18th-century Quito strikingly present Catholic teaching on eschatology (the fate of man after death) (See also LD2413, LD2415, and LD2416). As understood at the time, death marked the separation of body and soul. In the first figure, a skeleton reveals the decomposition of the body as worms crawl up and over the various bones. The artist has rendered the details of each with great skill while also painting delicate lines of the sutures in the skull. At death, particular judgment was passed on the soul: if it had died in mortal sin, it would suffer the pains of hell; if it had died in grace but not free from fault, it was assigned to Purgatory, a place of suffering where the soul would be purified to become worthy of heaven; if it had died free from sin, it would enjoy the bliss of heaven. The three figures thus display the possible outcomes for the soul. The flames of hell surround the damned figure who frantically claws at his chest, ripping his flesh out, as he screams and stares up with wide-open red eyes. The sculptor underscores the horrors by including a toad climbing on one arm and a worm on the other. Flames also encircle the soul in Purgatory who wears a crown of thorns to indicate his suffering. But although he looks up with a pained expression, the sculptor also suggests the soul’s contrition and expectant hope for heaven. The glass tears which have been delicately added thus play an important role in evoking the soul’s repentance. Surrounded by clouds and wearing a rich robe, the figure in heaven depicts the serene joy of the blessed souls.
While the statues present their Christian meaning clearly, much else about them remains unclear, beginning with their authorship. The most plausible candidate is Manuel Chili called Caspicara, the leading sculptor in Quito at the end of the 18th century. While no direct comparisons to his work exist, the figures reveal an exquisite mastery consistent with his style. Not only does the artist display impressive skill and delicacy on a small scale, he also shows significant powers of invention. Although the subject appeared in 17th-century prints such as those by Alexander Mair (1559–ca. 1620) or Egbert van Panderen (ca. 1590–1637) and continued in later anonymous sets, the sculptor transformed these models completely when he carved halflength figures, not busts. He might also have turned to other sources like the wax figures produced in Naples and exported to Spain. In modifying these examples significantly, however, he reveals exceptional talent and originality. Moreover, no comparable set of four carved figures is known today either in viceregal Latin America or in Europe. Consequently, it becomes difficult to reconstruct the statues’ intended setting, but it seems most likely that they were carved for private devotion in a small altar. As such, they correspond to the preference in later Ecuadorian sculpture for small-scale works, here realized with consummate artistry. PL
Texto en Español:
Estas notables figurillas de Quito en el siglo XVIII presentan de forma muy llamativa la enseñanza católica sobre la escatología o el destino del hombre después de la muerte (véanse también LD2413, LD2415, y LD2416). Se entendía entonces que la muerte marcaba la separación del alma y el cuerpo. En la primera figura un esqueleto revela la descomposición del cuerpo, en medio de gusanos que se arrastran por encima de los huesos. El artista ha reproducido los detalles con gran pericia, pintando también las delicadas líneas de sutura del cráneo. Al morir, el alma pasaba por el juicio particular: si había muerto en pecado mortal, padecería las penas del infierno; si había muerto en estado de gracia pero no exenta de faltas, sería enviada al purgatorio, un lugar de sufrimiento donde se purificaría para ser digna del cielo; si había muerto limpia de pecado, gozaría de la felicidad del cielo. Las tres figuras representan, pues, los posibles resultados para el alma. Las llamas del infierno rodean al alma del condenado que frenéticamente se arranca la carne del pecho, aullando y alzando los ojos desorbitados y enrojecidos. El escultor subraya los horrores poniendo sobre su figura un sapo que le sube por un brazo y un gusano en el otro. Las llamas también rodean al alma en el purgatorio, coronada de espinas para indicar su sufrimiento. Pero, aunque alza los ojos con expresión de dolor, el escultor también sugiere su contrición y su esperanza de alcanzar el cielo. Las lágrimas de vidrio que delicadamente se le han añadido desempeñan así un papel importante para hacer visible su arrepentimiento. La figura del cielo, rodeada de nubes y vestida con una rica túnica, muestra la dicha serena que gozan las almas bienaventuradas.
Estas figuras presentan su mensaje cristiano con claridad, pero en muchos otros aspectos dan lugar a dudas, empezando por el de su autoría. El candidato más verosímil es Manuel Chili, llamado Caspicara, que era el principal escultor de Quito a finales del siglo XVIII. No hay obras suyas que permitan hacer comparaciones directas, pero estas piezas revelan una exquisita maestría compatible con su estilo. No solo da pruebas este artista de una extraordinaria pericia y delicadeza en pequeña escala, sino que también demuestra una potente inventiva. El asunto representado había aparecido ya en estampas del siglo XVII como las de Alexander Mair (1559-h. 1620) o Egbert van Panderen (h. 1590-1637) y se siguió haciendo después en conjuntos anónimos, pero este escultor ha transformado por completo aquellos modelos al tallar no bustos sino medias figuras. También habría podido consultar otras fuentes, como las figuras de cera hechas en Nápoles y exportadas a España. Sin embargo, al modificar sensiblemente esos ejemplos revela un talento y una originalidad excepcionales. Por otra parte, hoy no se conoce ningún conjunto comparable de cuatro figuras de talla, ni en la América colonial ni en Europa. En consecuencia, se hace difícil reconstruir su posible destino, pero parece lo más probable que fueran hechas para la devoción privada en un altar doméstico. En ese sentido concuerdan con la preferencia de la escultura ecuatoriana posterior por las obras de pequeño formato, en este caso realizadas con un arte consumado. PL
BIBLIOGRAPHY:
BURKE 2016 Marcus B. Burke, “The Hispanic Society of America, Nueva York,” in Mark A. Roglán (ed.), Arte español en los Estados Unidos de América. Madrid: El Viso, 2016, p. 134
CODDING ( ED. ) 2017 Mitchell A. Codding (ed.), Tesoros de la Hispanic Society: Visiones del mundo hispánico. Madrid, New York: Museo Nacional del Prado, The Hispanic Society of America, 2017, pp. 290-91, nos. 161-64
CODDING ( ED. ) 2018a [Spanish edition] Mitchell A. Codding (ed.), Tesoros de la Hispanic Society of America. Mexico City, New York: Museo del Palacio de Bellas Artes, The Hispanic Society of America, 2018, pp. 308-9, nos. 151-54
CODDING (ED.) 2018b [English edition] Mitchell A. Codding (ed.), Visions of the Hispanic World: Treasures from The Hispanic Society Museum & Library. New York: The Hispanic Society of America, 2018, nos. 151-54
Accession Number: LD2414
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